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🌟 Jean Paul Gaultier y la Moda Alta Costura Primavera/Verano 2024: Renovación y Audacia 🌟
La moda de Jean Paul Gaultier siempre ha sido sinónimo de innovación y audacia, y su colección Alta Costura Primavera/Verano 2024 no ha sido la excepción. La Maison Gaultier, tras el último desfile dirigido por el propio Jean Paul Gaultier en enero de 2020, ha optado por una estrategia singular: invitar a nuevos diseñadores para reinterpretar y presentar colecciones bajo el prestigioso nombre de Gaultier. Para esta temporada, la encargada ha sido Simone Rocha, quien ha sabido integrar las características distintivas de la casa, remontándose a los años 90, con un toque contemporáneo y fresco.
La colección destaca por su feminidad y sensualidad, combinando el clásico estilo marinero de Gaultier con una estética moderna y romántica. Los elementos tradicionales como las rayas, se mezclan con flores, líneas y transparencias, creando una sinergia entre lo clásico y lo innovador. Los detalles en satín, los lazos, y los sombreros icónicos se complementan con bustiers entallados y faldas voluminosas, evocando un aire de sensualidad y coquetería.
En términos de paleta de colores, la colección se inclina hacia los tonos pasteles, con una presencia notable del rosa, azul, verde, así como los neutros en blanco, beige y negro. Los estampados florales y el uso abundante de tul añaden un toque de delicadeza y fantasía. El brillo no solo se manifiesta en los vestidos bordados con cristales y perlas, sino también en el maquillaje de las modelos, marcando una tendencia clara hacia la luminosidad y el glamour.
El maquillaje en la pasarela de Gaultier llevó la creatividad a otro nivel. Los labios vampirescos adornados con brillantes, el delineado de ojos floral con aplicaciones de piedras preciosas y las cejas lujosamente decoradas con brillantes, han marcado una tendencia audaz y artística en el mundo de la belleza. Estos elementos añaden un toque dramático y exclusivo a cada look, reflejando una combinación perfecta entre la moda y el arte del maquillaje.
Como es tradición en Gaultier, el desfile concluyó con la presentación de dos vestidos de novia, uno con un acabado completamente blanco y el otro con un efecto desnudo moderno, ambos reflejando la esencia de la casa: un equilibrio entre la tradición y la innovación, la elegancia y la audacia.
Este enfoque fresco y renovado de la moda de Jean Paul Gaultier demuestra que, incluso sin la dirección directa del icónico diseñador, la marca continúa siendo un referente en el mundo de la alta costura, siempre a la vanguardia y redefiniendo los límites de la creatividad y la expresión en la moda.
¿A qué nos referimos realmente cuando hablamos de la moda de los años 20? La década de 1920 introdujo una serie de estilos y tendencias innovadores. Por ejemplo, este período vio el auge de los vestidos flapper. Un verdadero símbolo de libertad y rebelión contra los roles de género tradicionales. Estos vestidos se caracterizaban por su corte corto y holgado, que rompía con los restrictivos corsés y las faldas largas de la década anterior. Los flecos y lentejuelas de estos vestidos daban un aspecto juguetón y juvenil. Gracias al corte holgado, los vestidos se movían alegremente mientras durante los bailes. Representaban así la vibrante energía de la era del jazz.
También se produjo una transformación significativa en la moda masculina. La ropa de los años 20 masculina supuso un adiós a las prendas pesadas, oscuras y formales del periodo anterior a la Primera Guerra Mundial. Los trajes se volvieron estilizados y más ligeros, con siluetas elegantes y telas menos rígidas, enfatizando tanto la comodidad como el estilo. Este cambio refleja una actitud social más relajada y una tendencia a elegir prendas más prácticas y versátiles.
Los accesorios jugaron un papel crucial en la imagen de la moda de esta época. Las mujeres solían usar sombreros cloche, elegantes tocados en forma de campana que enmarcaban el rostro y acentuaban los peinados de moda de corte bob. Los collares de perlas eran otro elemento esencial, a menudo usados en varias capas para dar un toque extra de estilo y glamour. Estos accesorios no solamente estaban de moda, sino que también eran una expresión de la nueva libertad social de la mujer.
La industria de la moda actual muestra claras huellas de la influencia de la década de 1920, una época conocida por sus atuendos revolucionarios y cambios sociales. Los diseñadores modernos se basan en gran medida en este período, reinterpretando elementos como siluetas holgadas, cinturas bajas y el uso de purpurina y lentejuelas. Estos estilos, que hace un siglo eran radicales, ahora aparecen regularmente en las colecciones de moda contemporáneas, lo que demuestra su atractivo y relevancia perdurables.
Un aspecto notable de esta influencia es la forma en que los diseñadores de moda contemporáneos combinan los cortes holgados y cómodos de los años 20 con telas y técnicas modernas. Esto da como resultado prendas que dan a la vez un guiño nostálgico al pasado y una visión del futuro. Las líneas de cintura baja, que alguna vez fueron un signo de rebelión y libertad para las mujeres, ahora se consideran una característica elegante y versátil en muchos conjuntos de moda.
La purpurina y las lentejuelas, que alguna vez fueron la firma de los opulentos y vibrantes vestidos flapper, ahora se usan en una variedad de artículos de moda, desde ropa de noche hasta ropa de diario, agregando una sensación de glamour y festividad al guardarropa moderno. Estos elementos reflejan la perdurable influencia de la estética Art Déco, conocida por su amor al brillo y la decoración.
Más allá de las colecciones de moda, la influencia de los años veinte también sigue siendo prominente en la cultura pop. Las películas, los vídeos musicales y los programas de televisión inspirados en este período, como las recientes adaptaciones cinematográficas de ‘El gran Gatsby’ y la serie de televisión Peaky Blinders, continúan reinterpretando el lenguaje visual y cultural de la década de 1920 y presentándolo a nuevos públicos. Estos medios desempeñan un papel crucial a la hora de mantener viva la estética de los años veinte y presentar estos estilos a los consumidores contemporáneos.
En general, la moda de los años 20 es una rica fuente de inspiración para la industria de la moda actual. Los elementos que alguna vez se consideraron revolucionarios e innovadores ahora están integrados en el lenguaje de la moda moderna, donde continúan dando testimonio de su atractivo y relevancia atemporales.
La moda de los años veinte representa mucho más que una serie de tendencias temporales; fue un movimiento revolucionario que cambió radicalmente los fundamentos de la expresión y el estilo personal. Este período marcó un punto de inflexión en la historia de la moda, en el que las rígidas normas del pasado dieron paso a una estética nueva y más libre. El impacto de estos cambios es claramente visible hasta el día de hoy en la moda contemporánea, donde los principios de libertad, experimentación e individualidad que florecieron en los años veinte siguen siendo centrales.
La influencia de los años 20 en la moda contemporánea no es solamente una cuestión de similitudes estéticas, sino también de los valores subyacentes que encarnan estos estilos. En aquella época, los vestidos flapper y las prendas holgadas eran símbolos de un cambio social más amplio: un movimiento hacia la igualdad de género y la liberación de la mujer. Estos valores todavía resuenan en la moda contemporánea, que lucha constantemente por la inclusión y la expresión.
El estampado de leopardo es uno de los más icónicos y versátiles del mundo de la moda. Su popularidad ha llevado a que sea utilizado en diversas prendas y accesorios, incluyendo zapatos, como es el caso de los mocasines. Algunas razones por las que podrías elegir estos fabulosos zapatos son:
A continuación, te presentamos algunos consejos para sacarle el máximo partido a tus mocasines con este llamativo estampado:
Al tratarse de un estampado protagonista, es recomendable combinarlo con prendas de tonalidades neutras para mantener el equilibrio visual en tu look. Colores como negro, blanco, beige o gris son ideales para acompañar tus mocasines de leopardo.
Evita utilizar otros estampados en tu ropa al llevar estos mocasines, pues podrían crear demasiado ruido visual y hacer que la atención se disperse. Lo ideal es permitir que el print de leopardo sea el foco principal de tu outfit.
Puedes usar tus mocasines de leopardo tanto con pantalones como con faldas y vestidos, siendo una opción perfecta para cualquier ocasión. Desde un paseo por la tarde hasta una cena elegante, los mocasines de leopardo serán tus mejores aliados en diferentes situaciones.
Para garantizar la durabilidad de tu calzado y mantener un estilo impecable, opta por marcas y diseños reconocidos: no dudes en ver los modelos en este sitio. De esta forma, estarás segura de que la inversión valdrá la pena.
El mercado de la moda ofrece una amplia variedad de modelos y diseños de mocasines con estampado de leopardo. A continuación, te presentamos algunas posibilidades que podrías encontrar:
Para mantener tus mocasines en óptimas condiciones y hacer que luzcan siempre como el primer día, sigue estas recomendaciones de mantenimiento:
En conclusión, los mocasines de leopardo para mujer son una elección de calzado fabulosa para aquellas que buscan un toque salvaje y sofisticado en su look. No pierdas la oportunidad de añadir este must-have a tu guardarropa y presume de estilo con estos llamativos y versátiles zapatos.
En el cambiante panorama de la moda, ciertos estilos resisten el paso del tiempo. WomanWonderFashion rinde un homenaje elegante al glamour de antaño, reviviendo con gracia el encanto del Retro Hollywood Glamour. Acompáñanos en este viaje a través de las épocas mientras exploramos la reinterpretación encantadora de estilos vintage de la marca, donde las siluetas clásicas y las piezas atemporales se presentan con un toque contemporáneo de glamour.
La magia reside en la silueta. WomanWonderFashion recrea meticulosamente siluetas vintage, desde las cinturas ceñidas de los años 50 hasta las líneas fluidas de los años 70. Descubre la artesanía detrás de cada pieza, donde la elegancia atemporal se acentúa con un corte contemporáneo, asegurando una fusión perfecta del pasado y el presente.
«La moda es un lenguaje instantáneo«, decía Miuccia Prada. Este lenguaje se vuelve más rico cuando mezcla elementos de diferentes décadas, creando un conjunto vintage personalizado que trasciende el tiempo.
El tejido se convierte en el narrador en las piezas inspiradas en el vintage de WomanWonderFashion. Descubre la dedicación de la marca a seleccionar tejidos que rinden homenaje al pasado mientras abrazan la innovación moderna. Desde el terciopelo suntuoso, reminiscente del clásico Hollywood, hasta mezclas innovadoras que ofrecen comodidad sin comprometer el estilo, cada prenda es un testimonio del compromiso de la marca con la calidad y el lujo.
«La elegancia no es notarse, sino recordarse«, afirmaba Giorgio Armani. En este sentido, WomanWonderFashion trae al presente el espíritu lúdico de los años 60, reviviendo los vestidos inspirados en la moda mod y los estampados geométricos.
El glamour tiene un atractivo eterno, y WomanWonderFashion eleva este encanto a nuevas alturas. Explora la reinterpretación de glamorosos vestidos de noche, trajes a medida y accesorios que evocan la sofisticación y el encanto sinónimos de la edad dorada de Hollywood. Cada pieza es una oda estrellada a hacer que cada usuario se sienta como un protagonista.
«La moda es arte y tú eres el lienzo«, como bien apuntó Velvet Paper. En esta línea, la marca trae al presente el espíritu bohemio de los años 70, con una fusión contemporánea de vestidos maxi fluidos, accesorios con flecos y tonos terrosos.
Los accesorios son los signos de exclamación del estilo, y la colección de WomanWonderFashion incluye piezas cuidadosamente seleccionadas que complementan y realzan los conjuntos inspirados en el vintage. Desde bolsos estructurados hasta zapatos de tacón clásicos, descubre cómo los accesorios juegan un papel fundamental en elevar el glamour general de cada look.
«El estilo es una forma de decir quién eres sin tener que hablar«, reflexionaba Rachel Zoe.
En el cambiante mundo de la moda, ciertos estilos resisten el paso del tiempo. WomanWonderFashion se inclina con gracia ante el glamour del pasado, presentándonos un universo donde el retro Hollywood glamour se entrelaza con la moda actual en una danza de elegancia y sofisticación.
La propuesta de WomanWonderFashion no es simplemente replicar estilos antiguos, sino resucitar el espíritu que definió diversas eras. Sumérgete en la habilidad de la marca para viajar en el tiempo, capturando la esencia de los rugientes años ’20, los elegantes ’50 y los liberadores ’70, todo ello con una perspectiva fresca que dialoga con la mujer moderna y fashionista.
«El arte de mezclar épocas» es clave aquí. Imagina combinar elementos de distintas décadas, creando un conjunto vintage inspirador que trasciende el tiempo.
WomanWonderFashion recrea meticulosamente siluetas vintage, desde las cinturas ceñidas de los años ’50 hasta las líneas fluidas de los ’70. Descubre la maestría detrás de cada prenda, donde la elegancia atemporal se acentúa con un corte contemporáneo, asegurando una fusión perfecta del pasado y el presente.
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«Cincha correctamente» — Domina el arte de acentuar tu cintura con cinturones y accesorios, capturando la silueta refinada característica de la moda vintage.
La tela se convierte en la narradora en las piezas inspiradas en el vintage de WomanWonderFashion. Descubre la dedicación de la marca al seleccionar telas que rinden homenaje al pasado mientras abrazan la innovación moderna. Desde el terciopelo suntuoso, recordatorio del clásico Hollywood, hasta mezclas innovadoras que ofrecen comodidad sin comprometer el estilo, cada prenda es un testimonio del compromiso de la marca con la calidad y el lujo.
«Encanto del terciopelo» — Sumérgete en el lujo de las piezas de terciopelo, añadiendo un toque de opulencia vintage a tu guardarropa.
Los ’60 fueron una época de rebeldía juguetona, y WomanWonderFashion revive ese espíritu gozoso. Explora la reinterpretación de la marca de vestidos inspirados en el mod y estampados geométricos, donde cada pieza captura la exuberancia juvenil de una era definida por patrones audaces y estilos despreocupados.
«Armonía de estampados audaces» — Experimenta con estampados audaces en un esquema de color monocromático para mantener un equilibrio entre la diversión vintage y la sofisticación moderna.
El glamour tiene un atractivo eterno, y WomanWonderFashion eleva este encanto a nuevas alturas. Explora la reinterpretación de vestidos glamurosos, trajes a medida y accesorios que reflejan la sofisticación y el encanto sinónimos de la edad dorada de Hollywood. Cada pieza es un homenaje estelar para hacer que cada portador se sienta como la protagonista de una película.
«Listos para la Alfombra Roja» — Adopta vestidos de noche de inspiración vintage para ocasiones especiales, capturando la esencia del glamour de Hollywood en la alfombra roja moderna.
El espíritu bohemio de los ’70 baila en el presente con la reinvención contemporánea de WomanWonderFashion. Explora la fusión de vestidos maxi fluidos, accesorios con flecos y tonos terrosos que traen el ambiente despreocupado bohemio a la era moderna. Observa cómo la marca fomenta un estilo de vida boho-chic que trasciende el tiempo.
«Capas Boho» — Abraza el arte de la superposición con chalecos, bufandas y joyería llamativa para lograr el look boho perfectamente estratificado.
Los accesorios son los signos de exclamación del estilo, y la colección de WomanWonderFashion incluye piezas cuidadosamente seleccionadas que complementan y realzan los conjuntos de inspiración vintage. Desde bolsos estructurados hasta bombas clásicas, explora cómo los accesorios juegan un papel fundamental en elevar el glamour general de cada look.
«Accesorios Declarativos» — Invierte en piezas llamativas como sombreros audaces, gafas de sol de inspiración vintage o bolsos estructurados para añadir ese toque final a tu conjunto vintage.
La colección de WomanWonderFashion es un testimonio de la habilidad de la marca para trascender el tiempo, mezclando sin esfuerzo siluetas clásicas, telas atemporales y patrones juguetones con un toque moderno, creando un guardarropa que captura la esencia del glamour de eras pasadas mientras abraza el espíritu contemporáneo.
Al explorar esta cautivadora colección, encuentras inspiración en la belleza y elegancia atemporales que abarcan generaciones.
NOTA: POR MOTIVOS DE SEGURIDAD EL ENTREVISTADO/A HA PREFERIDO PERMANECER EN EL ANONIMATO.
Johnny Zuri: Bienvenido, Agente X, a esta entrevista en la que pretendemos desvelar misterios oscuros y ocultos que ciertas élites no quieren que sepamos. Empecemos por Rombaut, la marca que ha lanzado recientemente su colección Otoño/Invierno 2023 titulada «Out of Touch». ¿Cuál es tu opinión sobre este intrigante concepto?
Agente X: Gracias por tenerme, Johnny. «Out of Touch» es un concepto que lleva la marca más allá de la mera moda. Trata de mostrarnos una vida tan perfecta que parece inalcanzable, casi surrealista. Este enfoque es fascinante, porque Rombaut juega con dualidades: escapismo y realidad, futurismo y lucha humana.
Johnny Zuri: Hablemos del futurismo que destila esta campaña. ¿Qué nos dice sobre las tendencias futuras en la moda?
Agente X: Ah, el futurismo es un tema delicado. La colección incluye modelos como el «Nucleo Boot», que es una evolución del popular «Nucleo» sneaker. Este tipo de diseño nos sugiere que el futuro de la moda podría estar inclinado hacia lo vanguardista pero utilitario. ¿Recordáis «Un mundo feliz» de Aldous Huxley? Allí, el futuro era brillante pero terriblemente defectuoso. De alguna forma, Rombaut también nos muestra un futuro brillante pero inalcanzable.
Johnny Zuri: Notamos una variedad de colores y texturas en la colección, desde el negro brillante hasta el cálido abrazo del falso pelo. ¿Qué revelan estas opciones sobre lo que viene?
Agente X: Buen punto. Aquí es donde el diseño se convierte en algo más que simple moda. Rombaut no solo abraza la diversidad de texturas, sino que también reta nuestras percepciones de lo que es una vida perfecta. Tal como dijo Andy Warhol, «Todo es bello. Pop es todo.»
Johnny Zuri: ¡Interesante! En «Alien Barefoot Boot» vemos un diseño juguetón de ciencia ficción. ¿Es este el nuevo clásico futuro?
Agente X: Podría ser. Pero recordemos, todo clásico comienza como algo audaz y poco convencional. Hoy es «Alien Barefoot Boot», mañana podría ser algo incluso más extraño. Lo que es claro es que Rombaut no tiene miedo de explorar y retar las normas.
Johnny Zuri: «La realidad supera a la ficción», decía Mark Twain. Parece que en el caso de Rombaut, la ficción está tomando las riendas.
Agente X: Exacto. Pero debemos preguntarnos, ¿es esta «realidad» a la que aspiramos algo que realmente deseamos o simplemente una ilusión?
Johnny Zuri: Al final del día, la campaña «Out of Touch» nos hace preguntarnos si deberíamos aspirar a esta perfección. ¿Es todo esto una farsa?
Agente X: Ahí está el quid de la cuestión. ¿Qué es la perfección? Es como dijo Salvador Dalí, «No tengo miedo de la perfección, nunca la alcanzarás.»
Johnny Zuri: ¡Exacto! Gracias por esta entrevista reveladora, Agente X.
Agente X: Ha sido un placer. Y recuerda, la perfección puede ser el enemigo de lo bueno. A veces, es mejor estar «Out of Touch» que perderse en una realidad distorsionada.
Nota del editor: Este artículo se ha redactado con la intención de proporcionar una visión profunda y detallada del futuro de la moda a través de la lente de la colección «Out of Touch» de Rombaut. Esperamos que lo hayas disfrutado y te haya llevado a reflexionar sobre las complejidades de la perfección y la realidad.
Beep-beep boop! Desde un lugar recóndito de la Galaxia, R2-D2 transmite para Johnny Zuri. Hoy te traemos un holograma exclusivo que hará que te olvides de la Estrella de la Muerte y te sumerjas en las pasarelas intergalácticas. GRACE QUAYE, oriunda del exótico planeta de Ghana, es la sensación que todos los Jedis y Sith querrían vestir. ¿Listos para saber más?
¿Por qué todo el Universo Fashion habla de esta combatiente del estilo? Pues fácil, chicos, ha sido la protagonista estelar en eventos que harían palidecer a la mismísima Reina Amidala. «La moda es una espada de doble filo», solía decir Qui-Gon Jinn. Y Grace ha sabido manejarla como una verdadera Jedi. Abrió el Off White FW22 en el Show Memorial de Virgil Abloh, y sus colecciones finales se consideran la personificación de la elegancia de los Altos Consejos Jedi.
Si Yoda hubiera estado en una pasarela, seguro sería en la Valentino Haute Couture Primavera 2020, donde Grace Quaye dejó boquiabierto al Consejo Jedi de la moda. Su presencia allí fue tan poderosa como la Fuerza misma. «Hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes», estas serían las palabras que Yoda diría sobre su estreno en el mundo del lujo.
Y como si fuera poco, «el miedo es el camino al lado oscuro, pero el estilo es el camino a la fama», podría decir Darth Vader. Grace Quaye abrió el Marni SS2020, presentando atuendos que incluso harían que los Ewoks quisieran renunciar a su estilo natural y sumarse a la tendencia.
Beep beep boop! Este ha sido R2-D2, transmitiendo para Johnny Zuri desde el espacio más fashion de la Galaxia. Que la Fuerza de la Moda esté con ustedes.
¿Te ha picado el droide de la curiosidad? Si quieres unirte a esta rebelión de estilo, sigue a menudo esta revista digital. En palabras de Lando Calrissian, «todo lo que necesitas en esta vida es ignorancia y confianza», pero para estar a la última en moda, necesitas seguirnos. Hasta el próximo holograma, amiguitos.
Zurilandia, un pequeño poblado de cien habitantes anclado entre la antigüedad y la fantasía ha experimentado un sacudón estilístico gracias a la visión futurista de la fotógrafa Perlina la Ávida y la modelo Ashlyn la Errante. Su colaboración reciente en la edición de septiembre de la revista local, «ZuriELLE», ha generado un furor sin precedentes.
Perlina la Ávida, conocida por su visión «futurista», ha capturado imágenes que parecen sacadas de otro universo. En la «ZuriELLE» de este mes, Ashlyn la Errante viste atuendos que desafían la gravedad y la lógica, emulando armaduras y ropa de un cosmos distante. ¿Alguna vez imaginaste mangas que parecen armaduras con un colorido audaz? Aquí se hace realidad.
Los estilismos, dirigidos por Adela la Maga, recuerdan a una ópera espacial en miniatura. ¿Y los colores? Ashlyn lleva tonos que son una delicia para los sentidos: rojo eléctrico, verde exuberante, púrpura centelleante. «La combinación de colores es el primer paso hacia el futuro», diría Leonardo da Vinci si hubiera vivido en Zurilandia.
Melani la Hechicera, experta en maquillaje y peinado, garantiza que la piel radiante y el cabello natural de Ashlyn equilibran esta visión futurista. Los detalles post-producción, manejados por el equipo de ColorTrabajos, añaden el toque final para crear una obra maestra «futurista» en los estudios de Meta Zurilandia.
En resumen, este despliegue de moda en la revista «ZuriELLE» es más que un hito en Zurilandia. Es una ventana al «futuro», una visión que desafía las convenciones y promete cambiar la forma en que este pequeño pueblo ve la moda y, quizás, el mundo.
NOTA: Este pequeño relato se ha recreado partiendo de la realidad y la fantasía, pero está basado en hechos reales.
Entre lo retro y lo futurista: ¿Qué nos dice la colección Saint Laurent Women’s sobre la evolución de YSL?
Buenos días, señoras y señores, soy Johnny Zuri y hoy quiero dar mi opinión sobre una interrogante que ha rondado la industria de la moda desde hace algún tiempo: ¿Existe una diferencia entre YSL y Saint Laurent? Este tema se destapa como un cofre repleto de historia y evolución, así que acompañenme en este viaje estilístico y descubramos juntos qué hay detrás de estas icónicas siglas y el elegante nombre.
La diferencia entre YSL y Saint Laurent podría percibirse como superficial a primera vista, un simple cambio de nombre, pero al bucear un poco más profundo, descubrimos que es la manifestación de la evolución en la moda. YSL, las iniciales del legendario diseñador Yves Saint Laurent, resuena con un pasado glorioso y revolucionario en el mundo de la alta costura. Por otro lado, el cambio a Saint Laurent, introducido por Hedi Slimane en 2012, marca un intento de revitalizar y modernizar la marca, sin desvincularse totalmente de su herencia.
Ahora, «me pregunto, ¿es este cambio una traición o una evolución necesaria?» En mi opinión, es un reflejo del eterno ciclo de renovación que experimentan las marcas de lujo, para mantenerse relevantes y deseables.
Al explorar las colecciones recientes, como la Colección de Verano para Mujeres 24 presentada por Anthony Vaccarello, se percibe una mezcla de lo retro y lo futurista. La esencia de YSL se mantiene intacta, pero con un nuevo aliento que busca conectar con las nuevas generaciones sin perder su esencia original. «Como dijo alguna vez Coco Chanel, ‘La moda pasa, el estilo permanece’«, y eso es lo que intenta lograr Saint Laurent, mantener el estilo inmutable de YSL pero con un aire renovado.
Recordemos, la moda es un «diálogo entre el pasado y el presente», y en este diálogo, Saint Laurent busca ser el intérprete que conecta la grandeza pasada de YSL con las expectativas contemporáneas.
Al revisar la trayectoria de esta casa de moda, descubrimos que Saint Laurent no es solo un nombre, es un puente entre la herencia retro de YSL y una visión futurista. Cada bolsa, cada prenda, cada colección, es un mensaje cifrado que nos cuenta sobre la evolución, no solo de una marca, sino de la moda en sí misma.
La música de SebastiAn y la voz de Catherine Deneuve en la presentación de la colección, añaden esa capa de modernidad y elegancia que caracteriza al nuevo Saint Laurent. Pero aún con estos toques modernos, la sombra de Yves sigue presente, como un guardian estilístico que asegura que la esencia de la marca perdure a través del tiempo.
«¿No es fascinante cómo el pasado y el futuro pueden coexistir en el presente a través de la moda?» Esa, señoras y señores, es la magia de Saint Laurent y YSL, una danza entre lo vintage y lo futurista que nos invita a apreciar la belleza de la evolución estilística.
Ahora, al salir a las calles y ver los logos de YSL o Saint Laurent en bolsas y prendas, tendrán una nueva apreciación sobre lo que estos nombres representan. La moda no es solo tela y hilos, es historia, es futuro, es un relato vivo de nuestra sociedad. Y en este relato, YSL y Saint Laurent son capítulos que nos enseñan que «la moda no solo se trata de tendencias pasajeras, sino de la conexión entre eras».
Buenos días, señoras y señores, soy Johnny Zuri y hoy quiero dar mi opinión sobre un despliegue de moda que me ha tenido en vilo: Courrèges Primavera/Verano 2024 por Nicolas Di Felice. Esta colección es una oda estilística a los remanentes vibrantes de una fiesta rave playera, presentada con una exuberancia única en la Semana de la Moda de París.
Nicolas Di Felice nos transporta a una mañana post-rave, con la arena aun acariciando los pies de los asistentes. A través de la lente nostálgica, Di Felice recuerda sus juergas en los clubes belgas, un capítulo de su vida que parece ser la chispa creativa detrás de esta colección. Ah, y cómo olvidar esos momentos cuando el amanecer se convierte en el escenario perfecto para seguir bailando al ritmo de las olas… Es una imagen que, «opino yo», encapsula una libertad y juventud etéreas.
La música y el baile no son solo una fuente de evasión, sino una esencia que Di Felice ha sabido trasladar a la moda. La colección es un reflejo de esos momentos desinhibidos, donde la moda se convierte en una extensión del espíritu festivo. La escena rave, con su estética cruda y libre, se funde con la moda en una simbiosis que celebra la juventud y el movimiento. Como dijo una vez el icónico David Bowie, «Yo no sé dónde voy desde aquí, pero prometo que no será aburrido.» Esta colección, «pienso yo», es un claro reflejo de esta máxima.
Di Felice bucea en el archivo de Courrèges, rescatando piezas que evocan una sensación vintage, como una chaqueta de buceo transformada en una chupa de cuero. Ah, el pasado y el futuro, dialogando en la pasarela. La fluida silueta del vestido náyade, inspirada en un diseño de 1974, es una muestra de cómo lo retro se funde con lo contemporáneo, creando piezas que desafían el tiempo. Los modelos, llevando sus zapatos en mano en vez de en los pies, «pienso que», personifican esa transición del frenesí nocturno a la calma matinal.
Las tonalidades apagadas, con predominio del negro, crema, coral suave y denim claro, «opino yo», evocan esa serenidad que acompaña a las primeras luces del día tras una noche de desenfreno. La ausencia de color vibrante es un guiño a la transición, al paso del tiempo que, como las olas del mar, borra las huellas dejadas en la arena.
Al explorar esta colección, nos encontramos con una pregunta filosófica que se cierne sobre la pasarela: ¿es la moda un reflejo de la efímera juventud o un puente entre el pasado y el futuro? Este desfile, «pienso yo», nos invita a reflexionar sobre cómo la moda no solo captura momentos, sino que teje historias, evoca recuerdos y, por qué no, nos impulsa a seguir bailando, aunque sea con los pies descalzos sobre una pista de baile imaginaria.
¿Quieres ver la colección completa? Revive el desfile y déjate envolver por esta oda a la juventud y la libertad, dos elementos que, aunque efímeros, dejan una huella indeleble en la tela del tiempo y, por supuesto, en la moda.
Anthony Vaccarello sorprende de nuevo, esta vez para la colección Saint Laurent Spring Summer 2024, y lo hace con un desfile bajo la sombra de la Torre Eiffel. Con un público selecto y estrellas de la talla de Kate Moss y Zoë Kravitz, el evento ha sido todo un espectáculo. Pero, más allá del glamour, ¿qué aporta esta colección al universo futurista y retro de la moda?
La inspiración detrás de la colección es una oda a las mujeres piloto y aviadoras, figuras históricas que rompieron barreras en su tiempo. Aquí, Vaccarello ha dado un giro, conectando pasado y futuro en una muestra de moda que no solo es estilísticamente avanzada sino también funcional. «Las mejores mentes son como paracaídas; solo funcionan cuando están abiertas,» decía Lord Dewar, y parece que Vaccarello ha tomado nota.
Funcionalidad, esa es la palabra clave. En un mundo cada vez más dinámico, la funcionalidad se convierte en un aspecto cada vez más crucial. Eso es especialmente cierto en la moda, donde los estilos retro y futuristas suelen estar más enfocados en la forma que en la función.
«Rendir tributo a los 70 años de legado» no es poca cosa. Con la colección SS24, Vaccarello no solo ha mantenido vivo el espíritu original de la casa, sino que también lo ha proyectado hacia el futuro. Es una celebración de las raíces de la marca, sí, pero también una declaración audaz de lo que vendrá.
«Lo único constante es el cambio», afirmaba Heráclito. Y en esta colección, Vaccarello parece estar dispuesto a abrazar esa máxima, entregando una visión que es tan retro como futurista, y sobre todo, funcional. ¿Será este el nuevo camino a seguir para la moda del futuro? Ahí queda la pregunta.
NOTA: Aunque este texto pertenece a la ficción, está basado en datos y hechos reales: Emporio Armani | Spring Summer 2024 by Giorgio Armani
Hoy nos lanzamos a una esfera muy distante de la galaxia para analizar el futuro de la moda masculina, a través del prisma de Emporio Armani Spring Summer 2024. Varios expertos intergalácticos, de mundos tan diversos como Zyklar-9 y Teranoz V, se han reunido virtualmente para compartir sus opiniones sobre esta colección futurista.
«La mejor manera de predecir el futuro es inventarlo», decía Alan Kay. Pues bien, Giorgio Armani ha dado su visión, y el cosmos nunca volverá a ser el mismo.
Según Zelon Qüarx, un reconocido crítico de moda de Plutona III, «la colección es un retorno a temas ligados a la esencia de Emporio Armani», aunque con un toque renovado. En su opinión, se respira un romanticismo seco pero vibrante, como una evolución lógica que fusiona elementos del extremo Oriente y un imaginario Norte de África.
¿Pero qué hace que esta colección sea especialmente única? Para explicarlo, recurrimos a las palabras de Lyra Phemios de la galaxia Andromeda II: «El espacio entre el cuerpo y el vestido es palpable, hecho de líneas líquidas que apenas rozan los músculos».
Las opciones de color en Emporio Armani Spring Summer 2024 son contraídas y compactas: blanco, arena, negro. Nada de explosiones de color, aquí la sobriedad se traduce en elegancia atemporal.
Para Eryndor Zaphir de Sirius B, «la limitada paleta cromática no es una restricción, sino una declaración audaz sobre el futuro de la moda». Y añade: «En un mundo donde todo es posible, la simplicidad es revolucionaria».
Y para terminar este paseo galáctico por la moda futurista, hagamos una última parada en las palabras de Ophion Krell, del planeta Vortexa V. Este experto nos comenta que «la energía elemental y pura de la colección se transmite a través de formas fluidas». Se trata de un diseño que respira, vive y siente, conectándose directamente con el alma de quien lo lleva.
«Vestirse es siempre un modo de soñar», escribió una vez el psicoanalista Roland Barthes. Y en el caso de Emporio Armani Spring Summer 2024, el sueño es una ventana al futuro, una puerta hacia lo desconocido que sólo los más audaces se atreverán a cruzar.
En definitiva, si quieres estar un paso adelante en el futuro de la moda, Emporio Armani Spring Summer 2024 parece ser la senda para seguir. ¿Te unirás a esta aventura cósmica? 🌌🚀
Para «estar a la última», uno debe pensar en algo más que un simple lienzo colgado en la pared. ¿Qué es lo que realmente aporta ese «plus de modernidad»? Según la exposición “Impresionistas en privado” en París, lo chic ahora es tomar inspiración de lo clásico, de artistas como Monet y Renoir. Pero ojo, no es un ejercicio de mera copia, es un diálogo entre lo clásico y lo contemporáneo.
Dentro del universo del arte, obras que han dejado huella tienen algo en común: un aire de enigma y sofisticación. Así, Nils Dardel, ese «David Bowie sueco» de los años 20, nos ofreció algo verdaderamente atemporal con «El Dandy Moribundo». Esta obra maestra toca fibras que van más allá del simple deleite visual; se convierte en un espejo que refleja los matices del espíritu humano, moderno en su tiempo y futurista en su enfoque.
«La vida imita al arte mucho más que el arte imita a la vida», dijo una vez Oscar Wilde. En «El Dandy Moribundo», los contornos, los colores y las sombras plantean preguntas existenciales. ¿Qué mejor forma de explorar esos enigmas que utilizando la obra como inspiración para decorar espacios que nos rodean cada día?
Claro, «El Dandy Moribundo» no es la única obra que puede añadir un toque retro futurista a nuestros salones. Dentro del amplio catálogo del arte, también encontramos ejemplos en los cuadros impresionistas de una exposición parisina que nunca se habían exhibido al público. Estas obras del siglo XIX pueden perfectamente compartir espacio con creaciones más modernas, generando un ambiente que oscila entre lo retro y lo futurista.
«La simplicidad es la clave de la verdadera elegancia», decía Coco Chanel. Si esta afirmación te habla, entonces deberías considerar incluir elementos que enlacen con la estética del pasado y el futuro en tu decoración. Nada más «fashion» que eso, ¿verdad?
¿Por Qué la Tendencia Vintage Está Revolucionando los Salones Modernos?
Las ideas modernas para la decoración de salones están dando un giro sorprendente. Ahora, la tendencia apunta a incorporar elementos vintage para lograr un efecto contemporáneo. Parece un contrasentido, pero resulta que «todo lo viejo es nuevo otra vez».
Los cuadros modernos para salón, por ejemplo, están tomando inspiración de estilos antiguos y técnicas artísticas que desafían la linealidad del tiempo.
«La moda cambia, pero el estilo perdura», subrayó Coco Chanel. En un mundo saturado de tendencias fugaces, lo vintage nos ofrece un respiro, un momento para reflexionar y admirar la belleza atemporal que nos rodea.
No cabe duda, el arte y la decoración son campos llenos de posibilidades.
Mientras que, en España, la obra de Carlos Sobrino con piezas como ‘Pareja de amantes’ y ‘La cortesana’ nos hablan de una sensualidad eterna, desde Estocolmo, Nils Dardel nos propone el cuadro «El dandy moribundo». ¡Sí, leíste bien! Un dandy que muere pero que a la vez es eterno. ¿Por qué no invitar a estos personajes a tu salón?
JOYAS DE ACERO AL POR MAYOR: Baoyan
Tomemos nota de lo que nos dice el mundillo: «todos sabemos que lo vintage está muy de moda». Ahora, ¿por qué vintage y no otra cosa? Es que vintage significa un equilibrio, una conversación entre el pasado y el presente que te pide que escuches.
No olvidemos esa sensación de «estar adelantado a nuestro tiempo». Los cuadros modernos son como el cuarzo citrino en tu sala, que atrae la abundancia y la riqueza, y esos tonos dorados generan alegría. Imagina eso, pero en forma de arte que te habla del futuro. «El futuro ya no es lo que era», decía Paul Valéry.
No se trata solo de tener buen gusto o de seguir la moda. Se trata de hacer historia con tu espacio, de hacerlo tuyo y único. «El arte no es lo que ves, sino lo que haces que los demás vean», como diría Edgar Degas. Entonces, ¿qué es lo que quieres que los demás vean en tu salón?
Nos fijaremos en los cuadros impresionistas ocultos de una antigua exposición de París. En ella se nos muestran obras que nunca se habían exhibido en espacios abiertos al público. Es una exposición de obras del s XIX del Museo Marmottan, junto al Bois de Boulogne.
La exposición “Impresionistas en privado” nos dio a conocer obras de coleccionistas privados y de los artistas Monet, Renoir, Pisarro, Cezanne, Caillebotte, Sisley, Morisot y Degas. Todos ellos pueden servirte de inspiración para que decores tu salón y «fabricar» tú mismo/a tus cuadros modernos para el salón.
Más cerca, en España, el Café Moderno de Pontevedra aprovecha el centenario de la obra del pintor Carlos Sobrino. Era el 1914 cuando el pintor presentaba en el Café Moderno cuatro de sus grandes cuadros, entre ellos ‘Pareja de amantes’ y ‘La cortesana’. Si los buscas, ya tienes también otra fuente de inspiración.
Más inspiración procedente de Estocolmo, y del pintor Nils Dardel, considerado por muchos (y me apunto) como el ‘David Bowie sueco’ de la década de los años 20. Obras como «El dandy moribundo», la obra maestra de este artista cosmopolita y moderno en su tiempo puede también servirte de inspiración.
Las ideas que te propongo, aunque clásicas, tienen todas un plus de modernidad y, además, nada más fashion y moderno que la mezcla, y todos sabemos que lo vintage está muy de moda.
No cabe duda, el arte y la decoración son campos llenos de posibilidades. Y cuando se trata de inspiración, piezas como «El Dandy Moribundo» o los cuadros modernos que beben de fuentes retro y futuristas, nos ofrecen un abanico de opciones que trascienden cualquier época o moda pasajera.
En un mundo donde el arte y la moda se encuentran en constante evolución, surge una colaboración que promete dejar huella. La firma JPG se une a la casa de moda KNWLS para presentar una colección cápsula prêt-à-porter que se caracteriza por su originalidad y frescura.
La diseñadora de impresión senior de KNWLS, Harriet Cox, ha sido la encargada de dar vida a una idea que nació de un hallazgo casual. En una de sus caminatas, Cox encontró una cerca en descomposición que le inspiró a crear un diseño único.
La creativa no dudó en utilizar este descubrimiento para crear un patrón que se convirtió en el alma de la colección. Este diseño, denominado «patrón de madera rayada», simula un tatuaje trompe-l’œil que se ha estampado a mano, dando como resultado una obra de arte que juega con la percepción visual del espectador.
Pero la colaboración va más allá de una simple colección de prendas. En la superficie de madera, Harriet grabó a mano las iniciales «JPG <3 KNWLS» formando un corazón, simbolizando así la unión de dos gigantes de la moda y el nacimiento de una colaboración que promete enamorar a todos los amantes de la alta costura.
Lo que hace especial a esta colección es su carácter atemporal e indefinible por la época. La impresión, que parece sacada de un archivo de Jean Paul Gaultier, se siente instantáneamente como en casa, arraigada en la realidad y con un toque de modernidad que la hace única.
Esta colaboración no solo representa una fusión de estilos, sino que también es un homenaje a la tradición y a la innovación, dos elementos que siempre han caracterizado a JPG y a KNWLS.
En definitiva, estamos ante una colección que promete convertirse en un icono de la moda. Una colaboración que nace de la casualidad y que se ha transformado en una obra de arte que une tradición y modernidad, realidad y fantasía, creando así prendas únicas que se convertirán en el centro de todas las miradas.
No cabe duda de que esta colección cápsula prêt-à-porter será un hito en la historia de la moda, marcando un antes y un después en la industria. Una propuesta que, sin duda, «hará historia».
PUEDES VERLO TODO EN: Jean Paul Gaultier
Tendencias primavera/verano 2024 que revolucionarán tu armario.
La Semana de la Moda de Nueva York cierra sus puertas, pero nos deja una profusión de estilos que marcarán la pauta en la temporada Primavera/Verano 2024. Es un momento emocionante donde el público ha tenido la oportunidad de apreciar, y pronto de integrar en su vestuario, las tendencias más punteras y «retro» que los diseñadores han ideado. Este evento es famoso por sorprendernos con creaciones atrevidas y, en algunos casos, extravagantes, que siempre tienen un hueco en el armario de los más audaces.
En el arranque fuerte del evento, destacamos un diseño que evoca el conjunto que Paris Hilton lució en su 21 cumpleaños. Este atuendo, cargado de brillo y audacia, promete ser el centro de atención en las fiestas de Ibiza y no pasará desapercibido en la próxima Nochevieja.
El desfile no solo ha sido una ventana al futuro, sino que también nos ha traído un toque «retro» con el regreso de estilos que marcaron décadas pasadas. Desde las faldas de tul, pasando por los corsés, hasta llegar a los looks de los años 60, los diseñadores nos invitan a un viaje en el tiempo, rescatando lo mejor de cada época para crear atuendos modernos y sofisticados.
Algunas tendencias han demostrado su poder de permanencia, consolidándose como las favoritas de esta década. Las transparencias siguen ganando terreno, presentándose en una variedad de formas, desde las más audaces hasta las sutiles y translúcidas. Por otro lado, el tiro bajo sigue presente, pero promete mayor comodidad combinándose con camisetas y bodies que brindan una cobertura extra.
No podemos dejar de mencionar los looks «vintage» que han reinado en esta edición, inspirando nostalgia y un regreso a los días dorados de la moda. Desde los «total looks» blancos, que nos remontan a la moda ibicenca, hasta las prendas metalizadas que prometen ser un hit, la Semana de la Moda nos trae propuestas frescas y renovadas para el próximo verano.
Como es tradición, la Semana de la Moda no ha estado exenta de toques extravagantes que han causado sensación. Los diseñadores emergentes han buscado llamar la atención con conjuntos caóticos y, a veces, hasta desastrosos, mientras que los veteranos han optado por brindar un espectáculo visual con piezas únicas y sorprendentes.
La Semana de la Moda de Nueva York ha dejado una impresión duradera, mostrándonos un adelanto de lo que está por venir. Con propuestas que van desde lo «retro» hasta lo futurista, esta semana ha sido un verdadero festín visual para los aficionados a la moda.
En la medida que nos preparamos para recibir el 2024, es momento de empezar a renovar nuestro armario con las tendencias que nos han presentado los diseñadores más destacados del panorama actual. ¡La próxima primavera promete ser una explosión de estilos y colores que nos transportarán a otras épocas mientras nos proyectan hacia el futuro!
La colección Primavera/Verano 2024 de Phillip Lim promete ofrecer una celebración de la creatividad inspirada en la rica tapestry de Nueva York, aunque la falta de detalles concretos y una narrativa potencialmente abstracta pueden dejar a algunos lectores deseando más claridad y especificidad. Será interesante «descubrir más» para obtener una comprensión completa de lo que la colección tiene para ofrecer.
La Mercedes-Benz Fashion Week 2023 regresa con una fuerza renovada, consolidándose como un referente de moda tanto a nivel nacional como internacional. Con cada edición, su prestigio y repercusión crecen, prometiendo sorpresas y novedades que captarán la atención de todos los aficionados a la moda.
¿Estás listo para ser parte de la historia? Las entradas para la Fashion Week Madrid 2023 ya están disponibles. No pierdas la oportunidad de presenciar las propuestas más innovadoras de los diseñadores más destacados del momento. Encuentra tus entradas en el sitio oficial de IFEMA y prepárate para vivir una experiencia única.
Con una trayectoria de 20 años en el mundo de la moda, Aurelia Gil nos presenta su colección «T I E M P O» para el 2024, una propuesta prêt-à-porter femenina que promete deleitar con prendas exquisitas y llenas de arte.
Custo Barcelona nos llevará a un viaje por California, mostrando la influencia del estilo surfero del sur y la psicodelia del norte en sus diseños. Un desfile que promete ser una explosión de color y originalidad.
JOYAS DE ACERO AL POR MAYOR: Baoyan
Jorge Vázquez nos transportará a los años 60 con su nueva colección primavera/verano 2024. Una «reinterpretación personal» que promete traer lo mejor del estilo retro a la pasarela.
LOLA CASADEMUNT se renueva cada temporada, y esta no será la excepción. Con su línea ICONIC LUXOR, promete sorprendernos con tendencias reinventadas que llevan el sello inconfundible de la marca.
Mans nos presenta una visión moderna del hombre actual, con piezas que combinan elegancia y sofisticación, pero que van más allá de la moda, ofreciendo un estilo de vida.
En su 22ª edición, el premio Mercedes-Benz Fashion Talent sigue dando visibilidad y apoyo a los talentos emergentes de la moda española, contribuyendo así al crecimiento de la industria.
L’Oréal Paris se une a la celebración, reconociendo y fomentando el desarrollo de la industria de la moda y la belleza en España, una iniciativa que busca destacar lo mejor del talento nacional.
Allianz presenta la tercera edición de este premio, con el objetivo de apoyar a los diseñadores emergentes en los primeros pasos de sus carreras, promoviendo una moda plural y sostenible.
Para estar al tanto de todo lo que sucederá en este grandioso evento, visita el sitio oficial y descubre la agenda completa de los fashion shows y todos los detalles de esta edición organizada por IFEMA MADRID. ¡La Mercedes-Benz Fashion Week Madrid 2023 te espera para vivir una experiencia inolvidable!
Desde su fundación en 2010, SIMKHAI no ha sido simplemente una marca, sino un templo de la creatividad ilimitada. Concebida por el diseñador Jonathan Simkhai, la marca extrae su esencia de fuentes tan diversas como la arquitectura y la escultura, estableciendo un paradigma que resulta tanto futurista como profundamente enraizado en métodos artesanales. Se trata de una amalgama de técnicas de construcción progresivas con «detalles realizados a mano», una fusión que culmina en prendas verdaderamente excepcionales.
Este enfoque híbrido ha llevado a SIMKHAI a ser un nombre sinónimo de calidad y elegancia eterna, acreditado por su victoria en el fondo de moda CFDA/Vogue en 2015. Es un testimonio de cómo la moda, como arte, debe estar en constante evolución y adaptación, siempre proyectando hacia el futuro mientras honra técnicas y estilos pasados.
Antes de su meteórico ascenso en el mundo de la moda, Jonathan Simkhai cultivó sus habilidades técnicas en instituciones de prestigio como la Parsons School of Design y el Fashion Institute of Technology. Estos espacios de aprendizaje no solo nutrieron su ojo para el detalle y la calidad, sino que también lo prepararon para un mundo que exige una perfecta «simbiosis entre el arte y la técnica».
JOYAS DE ACERO AL POR MAYOR: Baoyan
El creador no sólo se nutre de sus viajes y experiencias globales, sino también del «microcosmos creativo» que ha formado en Los Ángeles. Su comunidad creativa inspirada le ha dado una plataforma para compartir sus diseños y narrativas con mujeres alrededor del mundo que, como él, viven vidas artísticas y sin disculpas.
Debido a su inclusión temprana en el programa de incubación de la CFDA, SIMKHAI se ha establecido como un actor clave en eventos de moda de alto perfil, incluido el New York Fashion Week (NYFW). Esto representa un importante «punto de inflexión» en su trayectoria, proyectando la marca hacia una audiencia global y estableciendo su lugar en el imaginario colectivo.
La marca SIMKHAI no es sólo una etiqueta; es un lenguaje de diseño que se ha extendido por todo el mundo. Este poder de alcance global es quizás el mejor indicador de su impacto duradero, tanto en la «moda actual como en la que está por venir».
En palabras del célebre Richard Lacy, estamos a «One Minute to Midnight» en el reloj de la moda. A medida que SIMKHAI sigue adelante, cada colección se convierte en un «preciso tick del reloj» que nos acerca al futuro del diseño y la estética. Este dinamismo, arraigado en la visión de su fundador, es lo que permite a la marca mantener su relevancia y liderar en innovación, en un mundo en constante cambio.
Es así como SIMKHAI no solo define las tendencias actuales, sino que también «moldea el futuro» de lo que la moda puede y debe ser. Con cada colección que pasa, se reafirma la marca como una fuerza a tener en cuenta, una que no teme mirar hacia el futuro mientras celebra las técnicas y estilos del pasado.
Es esa intrépida combinación de lo viejo y lo nuevo, lo retro y lo futurista, lo que hace de SIMKHAI un nombre destinado a ser una huella imborrable en la historia de la moda.
Legado de Ann Demeulemeester: un futuro prometedor en la industria fashion. Futuro de la moda: el legado de Ann Demeulemeester y su impacto en la industria fashion.
Ann Demeulemeester, reconocida diseñadora belga de moda se formó en la prestigiosa Academia Real de Bellas Artes de Amberes, en el departamento de Diseño de Moda, concluyendo sus estudios en 1981. A lo largo de su carrera, Demeulemeester creó una firma de moda homónima que alcanzó gran éxito y reconocimiento internacional.
El estilo de Ann Demeulemeester mezcla sus raíces belgas con influencias asiáticas, lo que le permitió conquistar el mercado en países como Japón, Hong Kong y Corea del Sur, donde se ubican tres de sus cuatro tiendas. La cuarta tienda se encuentra en Amberes, en un edificio diseñado por el famoso arquitecto Le Corbusier.
Demeulemeester, nacida en 1959, inició su carrera en la industria de la moda en Amberes, ciudad emblemática del diseño en Bélgica. Tras obtener su licenciatura, fundó la empresa BVBA 32 junto a su esposo y, en 1986, presentó su primera colección bajo su propio nombre en Londres. Junto con otros cinco diseñadores conocidos como «Los Seis de Amberes», Demeulemeester posicionó a Bélgica en el mapa de la moda mundial, convirtiendo el «made in» belga en sinónimo de diseño, transgresión y vanguardia.
La diseñadora siempre se mantuvo fiel a su estilo, desapegada de las tendencias impuestas por el mercado. En 2013, sorprendió al mundo al anunciar su retiro de la marca que lleva su nombre, asegurando que la firma posee una identidad propia y un legado que le permite seguir creciendo sin su presencia.
La marca Ann Demeulemeester pasó dos años sin un director creativo hasta que, en 2022, Ludovic de Saint Sernin fue nombrado su sucesor. De Saint Sernin, nacido en Bélgica y criado en París, es conocido por su enfoque audaz y sensual en la moda. Este diseñador tomó el relevo de Sébastien Meunier, último director creativo de la firma antes de su llegada.
Así, el legado de Ann Demeulemeester perdura en la industria fashion, y su influencia seguirá marcando tendencias en el futuro de la moda. Con la dirección creativa de Ludovic de Saint Sernin, la firma continuará innovando y desafiando los límites del diseño, manteniendo vivo el espíritu vanguardista que siempre ha caracterizado a la marca.
Roberto Diz: Cuando la Moda Se Encuentra con la Ingeniería Biomecánica.
¿Alguna vez te has imaginado a ti mismo vistiendo una prenda inspirada en los misterios de la mente, la actividad neuronal y los procesos de la ingeniería biomecánica? Pues, bienvenido al universo creativo de Roberto Diz, donde la moda trasciende las telas y se sumerge en los fascinantes laberintos de la mente humana.
Diz, conocido por sus vestidos de invitada y de alfombra roja, presentó en la pasada Fashion Week Madrid una colección que rompe con sus propias convenciones. Para la temporada de primavera/verano 2023, este querido diseñador de las celebrities andaluzas ha decidido explorar territorios inéditos, transportándonos a un viaje sensorial que fusiona la moda con la neurociencia y la ingeniería biomecánica.
La colección se traduce en originales estampados inspirados en los mapas de las conexiones cerebrales, una clara oda a la complejidad y belleza de la mente humana. Pero Diz no se detiene ahí, en su búsqueda por humanizar la moda, propone looks más informales protagonizados por el pantalón, en tejidos rompedores como el ‘efecto cuero’, la sastrería y los vestidos largos fluidos. Prendas de calle que se convierten en un tributo a las superhéroes del día a día, una reinventada visión de las heroínas contemporáneas.
Pero el universo Diz no sería el mismo sin sus inconfundibles estilismos de fiesta, los cuales siguen presentes en esta colección. Entre diseños cortos en tejidos transparentes, perfectos para una noche de baile, y vestidos de gala con volúmenes y asimetrías dignos de una estrella de Hollywood, Diz consigue un equilibrio entre lo cotidiano y lo extraordinario.
El detalle final que convierte esta colección en una verdadera obra de arte futurista viene de la mano del artista Benjamín Bulnes. Bulnes ha creado una serie de piezas cromadas nacidas de la ingeniería biomecánica, que visten a las modelos como superhéroes del futuro, una visión que Diz adora resaltar en sus propuestas.
La última colección de Roberto Diz es un viaje por los misterios de la mente y la belleza de la biomecánica, un territorio donde la ciencia y la moda se encuentran para crear una propuesta estilística que desafía las convenciones y nos invita a soñar con un futuro donde todos podemos ser superhéroes.
Descubre la Tendencia Barbiecore: Reviviendo la Moda de la Muñeca Icónica en 2023
El Barbiecore se está convirtiendo en una de las tendencias favoritas para el verano de 2023, en gran parte debido al próximo estreno de la película de Barbie. El color rosa en todas sus tonalidades es el hilo conductor de esta tendencia, y puede llevarse con diversas texturas y patrones.
El monocromático y el color blocking son dos características clave del Barbiecore, con outfits que responden a un mismo tono rosa o que destacan entre diferentes gamas de color. Además, los patrones, como rayas, cuadros, animal print y flores, son parte integral de esta tendencia, siempre y cuando el rosa sea el protagonista del atuendo.
El calzado también juega un papel importante, siendo las plataformas la apuesta más trendy del verano. Finalmente, los accesorios como bolsas, calcetines y scrunchies de color rosa son una excelente manera de incorporar la tendencia Barbiecore a tus outfits.
Aunque el estilo Barbiecore se asocia a menudo con el color rosa y detalles juguetones y llamativos, hay formas de incorporar la tendencia sin necesidad de vestir de rosa de pies a cabeza:
Recuerda que la clave es hacer que la tendencia funcione para ti y tu estilo personal. Si no te sientes cómodo/a en un conjunto completamente rosa, hay muchas formas de incorporar elementos de la estética Barbiecore en tu guardarropa.
El tema principal de Barbiecore es el color rosa en todas sus tonalidades, desde los pasteles hasta los neones brillantes. Estos se pueden combinar con diversas texturas y patrones. Los atuendos creados en este estilo pueden ser propuestas que respondan al mismo tono o que se destaquen entre diferentes rangos.
El bloqueo de color es otro aspecto clave de Barbiecore, lo que significa que los atuendos pueden complementarse con diferentes colores. Las mejores opciones para crear un contraste adecuado serán los verdes, naranjas, azules y morados.
Los patrones también forman parte de esta tendencia, agregando más dinamismo a tu look con ropa a rayas, a cuadros, con estampado animal y flores. La clave es asegurarte de que el color rosa sea la estrella de tu atuendo.
El calzado también jugará un papel importante en esta tendencia. Aunque cualquier silueta será adecuada para mostrar Barbiecore, las zapatos de plataforma serán la opción más moderna para el verano. Celebridades como Hailey Bieber, Zendaya y Ariana Grande ya han mostrado este estilo.
Barbiecore no solo estará presente en la ropa, sino que también se apoderará de los accesorios. Puedes unirte a esta tendencia añadiendo bolsos, calcetines y scrunchies de color rosa a tus atuendos.
